9 шедьоври на блестящи художници, вдъхновили велики модни дизайнери и създали уникални колекции

2024 Автор: Richard Flannagan | [email protected]. Последно модифициран: 2023-12-15 23:58

През историята модата и изкуството вървяха ръка за ръка, за да създадат страхотна комбинация. Много модни дизайнери са заимствали идеи от художествени движения за своите колекции, което позволява на модата да се тълкува като форма на изкуство, която служи главно за изразяване на идеи и визии. Повлияни от това, някои международно известни модни дизайнери са създали изключителни колекции, базирани на художествените движения на 20 -ти век.

1. Мадлен Вион

Родена в северен централен регион на Франция през 1876 г., мадам Мадлен Вион е известна като „богинята на стила и кралицата на шивачеството“. По време на престоя си в Рим тя е очарована от изкуството и културата на гръцката и римската цивилизация и е вдъхновена от древните богини и статуи. Въз основа на тези произведения на изкуството тя оформя естетиката на своя стил и комбинира елементи от гръцката скулптура и архитектура, за да придаде ново измерение на женското тяло. Със своите умения в драпирането и косите рокли, Мадлен направи революция в съвременната мода. Често се консултира с произведения на изкуството като „Крилатата победа на Самотракия“за своите колекции от произведения на изкуството.

Приликите между шедьовъра на елинистичното изкуство и музата на Вион са поразителни. Дълбокото драпиране на тъканта в стила на гръцкия хитон създава вертикални ивици светлина, които се стичат по фигурата. Скулптурата е създадена в знак на почит към Nike, гръцката богиня на победата, и се възхищава от реалистичното си изобразяване на движение. Течащата завеса на дизайна на Vionnet напомня за движението на издута материя, която се прилепва към тялото на Nike. Роклите могат да бъдат като живи същества с душа, като тяло. Подобно на Крилатата победа на Самотракия, Мадлен създава рокли, които пробуждат човешката същност, скрита дълбоко в нея. Класицизмът, както естетическа философия, така и философия на дизайна, даде възможност на Vionne да предаде своята визия в геометрична хармония.

Тя също беше очарована от движенията на съвременното изкуство като кубизма. Мадлен започва да включва геометрични фигури в своите творения и възприема друг метод за рязането им, наречен скосяване. Разбира се, Vionne никога не е твърдял, че е изобретил косото изрязване, а само разширява използването му. Тъй като жените постигнаха голям напредък в борбата за правата си в началото на ХХ век, Мадлен защити свободата им, като премахна дълготрайния викториански корсет от ежедневното облекло на жените. Затова тя се превърна в символ на освобождаването на жените от ограничението на бюстието и вместо това пусна нови, по -леки материи, които буквално течаха по женските тела.

2. Пиерпаоло Пичоли

Пиерпаоло Пичоли е главният дизайнер на Валентино и е силно привлечен от религиозните произведения на Средновековието. Изходната точка на вдъхновение за него е преходният момент от Средновековието към Северния Ренесанс. Той си сътрудничи със Zandra Rhodes и заедно те разработиха вдъхновяваща колекция през пролетта на 2017 г. Пичоли иска да свърже пънк културата от края на 70 -те години с хуманизма и средновековното изкуство, затова се връща към корените си и Възраждането, като намира вдъхновение в картината на Йеронимус Бош „Градината на земните наслади“.

Известният холандски художник е един от най -видните представители на Северния Ренесанс през 16 век. В „Градината на земните наслади“, която Бош рисува преди Реформацията, художникът иска да изобрази Рая и създаването на човечеството, първото изкушение на Адам и Ева, както и Ада, предвиждащи грешниците. В централната част хората сякаш задоволяват апетита си в свят на удоволствие. Иконографията на Бош се откроява със своята оригиналност и чувственост. Цялата картина се тълкува като алегория на греха.

В света на модата картината придоби популярност, тъй като различни модни дизайнери бяха очаровани от нейните мотиви. Смесвайки епохите и естетиката, Пичоли преосмисля символите на Бош с летящи прозрачни рокли, докато Родос създава романтични щампи и бродирани модели, малко сходни с оригиналните произведения на изкуството. Цветовете със сигурност бяха част от посланието, което дизайнерите искаха да предадат. По този начин колекцията от летящи мечтани рокли се основава на северната цветова палитра от ябълково -зелени, бледорозови и сини яйца от червеник.

3. Долче и Габана

Питър Пол Рубенс майсторски рисува жените с любов, учене и старание. Той представи своята „Венера пред огледалото“като върховен символ на красотата. Питър изобразява изключително светлото й лице и русата коса, което контрастира с мургавата прислужница. Огледалото е абсолютен символ на красотата, който оформя жена като портрет, и в същото време фино подчертава голотата на фигурата. Огледалото, което Купидон държи за богинята, показва отражението на Венера като представяне на еротично привличане и желание. Рубенс, който беше един от основателите на бароковото изкуство, и концепцията му за „цветове над линиите“повлия на няколко модни дизайнери, включително Dolce & Gabbana. Бароковият стил се отклонява от духа на Ренесанса, изоставя спокойствието и елегантността и вместо това търси елегантност, вълнение и движение.

Модни дизайнери Доменико Долче и Стефано Габана искаха да създадат кампания, която да отпразнува чувствената, както и романтичната страна на женската красота. Питър Пол Рубенс беше най -подходящият източник на вдъхновение. Творенията на култовото дуо бяха в голяма хармония с изкуството на фламандския художник. В тази колекция модели позират с голямо благородство, изглеждайки така, сякаш току -що са слязли от една от картините на Рубенс. Декорациите са проектирани да наподобяват барокови огледала и детайли за бродерия. Грациозността на фигурите и пастелната цветова палитра бяха красиво подчертани от роклята от брокат. Изборът на модни дизайнери да включат разнообразни модели допълнително допринесе за типа на тялото от онази епоха. Извитите линии, които Dolce и Gabbana използваха, противоречаха на дискриминацията на различните типове тяло в модната индустрия.

Колекцията Dolce and Gabbana Women's Fall 2012 демонстрира много от чертите на италианската барокова архитектура. Тази колекция перфектно съвпада с богато декорираните характеристики на сицилианския бароков стил. Дизайнерите се фокусираха върху бароковата архитектура, както се вижда в католическите църкви в Сицилия. Ориентир беше картината на Рубенс „Портрет на Анна Австрийска“. В своя кралски портрет Анна Австрийска е изобразена по испански начин. Черната рокля на Анна е украсена с вертикални ивици от зелена бродерия и златни детайли. Изкуствено проектираните рокли и пелерини, изработени от луксозен текстил като дантела и брокат, се превърнаха в основна черта на шоуто на Долче и Габана, които покориха света с креативността си.

4. Кристобал Баленсиага

Кристобал Баленсиага може да се нарече истински майстор, който реформира женската мода през ХХ век. Роден в малко село в Испания, той внесе същността на испанската история на изкуството в съвременните си проекти. През цялата си кариера Баленсиага е впечатлен от испанския Ренесанс. Често търсеше вдъхновение от испанското кралско семейство и членове на духовенството. Модният дизайнер трансформира църковните предмети и монашеските одежди на епохата в модни шедьоври за носене.

Едно от големите му вдъхновения е маниеристът Ел Греко, известен още като Доминик Теотокопулос. Разглеждайки кардинал Ел Греко Фернандо Ниньо де Гевара, можете да видите приликите между носа на кардинала и дизайна на Баленсиага. Картината изобразява испанския кардинал Фернандо Ниньо де Гевара от времето на Ел Греко в Толедо. Идеите на Ел Греко са заимствани от неоплатонизма на италианския Ренесанс и в този портрет той представя кардинала като символ на Божията благодат. Маниерът присъства в цялата картина. Това се забелязва при удължена фигура с малка глава, грациозни, но странни крайници, интензивни цветове и отхвърляне на класическите мерки и пропорции.

Страстта на Balenciaga към историческото облекло е очевидна в това екстравагантно вечерно палто от колекцията му от 1954 г. Той имаше визия и способност да измисля форми по съвременна мода. Преувеличената яка на това палто отразява торбестия стил на кардиналска пелерина. Червеният цвят на дрехите на кардинала символизира кръвта и желанието му да умре за вярата. Яркото червено се счита от известния дизайнер за необикновено, тъй като той често предпочита смели цветови комбинации и живи нюанси. Голямата му иновация беше премахването на талията и въвеждането на плавни линии, прости кройки и три четвърти ръкави. По този начин Balenciaga направи революция в женската мода.

Дизайнерът представи и ръкави с дължина на гривна, които позволиха на жените да покажат бижутата си. През 60 -те години на миналия век, с постепенното въвеждане на жените в индустрията на труда, Balenciaga има идея да даде комфорт, свобода и функционалност на жените, които облича. Той насърчаваше свободни, удобни рокли, които контрастираха с подходящите за времето силуети.

5. Александър Маккуин

Австрийски художник, майстор на символиката и основател на виенското движение за отделяне, Густав Климт положи основите на историята на изкуството на 20 -ти век. Неговите картини и художествена естетика отдавна вдъхновяват модните дизайнери. Други като Aquilano Rimondi, L'Rene Scott и Christian Dior, дизайнерът, който директно споменава Климт, е Александър Маккуин. В колекцията Resort Spring / Summer 2013 той е проектирал уникални парчета, които изглежда са вдъхновени от работата на художника. Гледайки течаща черна рокля с повтарящ се златен модел отгоре - може да ви дойде на ум конкретна картина. Маккуин използва абстрактни, геометрични и мозаечни дизайни в бронзови и златни тонове, като ги включва в своите дизайни.

През 1905 г. Густав Климт рисува картината „Прегръдката“, изобразяваща двойка, уловена в нежна прегръдка, която се превръща в символ на любовта. Австрийският художник е известен със своите златни картини, както и перфектната комбинация от абстракция и цвят, присъстващи в тези произведения. Всички мозайки имат богати златисти тонове с калейдоскопски или естествени украшения, които са имали голямо влияние върху модата. Тази картина е поразителна поради контрастиращите геометрични форми между дрехите на двамата влюбени. Мъжкото облекло се състои от черни, бели и сиви квадратчета, докато женската рокля е украсена с овални кръгове и флорални мотиви. По този начин Климт майсторски илюстрира разликата между мъжествеността и женствеността. Александър прие нещо подобно за дрехите си.

6. Кристиан Диор

Основател на импресионизма и един от най -големите френски художници в историята на изкуството, Клод Моне остави след себе си голямо художествено наследство. Използвайки дома си и градината си в Живерни за вдъхновение, Моне улови естествения пейзаж в картините си. По -специално, в картината "Градината на художника в Живерни" той успя да манипулира естествения пейзаж в съответствие с нуждите си. Контрастът на кафявата мръсна следа срещу живия цвят на цветята допълва сцената. Известният импресионист често избира цветето на ириса заради лилавия му цвят, за да създаде ефект на ярко слънце. Тази картина е пълна с живот, докато цветята цъфтят и поздравяват, прегръщайки пролетта. Розови и люлякови листенца, ириси и жасмин са част от пъстър рай, изобразен върху бяло платно.

В същия дух Кристиан Диор, пионер на френската мода, остави огромна следа в света на модата, която се усеща и до днес. През 1949 г. той проектира колекция от висша мода за сезона пролет / лято. Един от акцентите на тази изложба беше емблематичната рокля на Dior, изцяло бродирана с цветни венчелистчета в различни нюанси на розово и лилаво. Dior илюстрира перфектно двата свята на изкуството и модата и имитира естетиката на Моне в тази функционална рокля. Той прекарва много време в провинцията, рисувайки колекциите си в градината си в Гранвил, както правеше Моне. По този начин той определи елегантния стил Dior, като включи цветовата палитра на Моне и флоралните шарки в своите творения.

7. Ив Сен Лоран

Мондриан е един от първите художници, създали абстрактно изкуство през 20 -ти век. Роден в Холандия през 1872 г., той основава цяло художествено движение, наречено De Stijl. Целта на движението беше да обедини съвременното изкуство и живота. Този стил, известен също като неопластицизъм, е форма на абстрактно изкуство, при което използването само на геометрични принципи и основни цветове като червено, синьо и жълто се комбинира с неутрални (черно, сиво и бяло). Иновативният стил на Пийт в началото на 1900 -те години принуди модните дизайнери да възпроизведат този чист вид абстрактно изкуство. Най -добрият пример за този стил на рисуване е композиция с червен, син и жълт цвят.

Любител на изкуството, френски моден дизайнер Ив Сен Лоран включи картините на Мондриан в своите творения на висшата мода. Първо се вдъхнови от работата на Пит, когато прочете книга за живота на художника, която майка му му подари за Коледа. Дизайнерът изрази своята благодарност към художника в есенната си колекция от 1965 г., известна като колекцията Mondrian. Вдъхновен от геометричните линии и смелите цветове на художника, той представи шест коктейлни рокли, които отпразнуваха емблематичния му стил и ерата на шестдесетте като цяло. Всяка от роклите на Mondrian беше малко по-различна, но всички споделяха проста форма на А-образна линия и дължина на коляното без ръкави, която беше идеална за всеки тип тяло.

8. Елза Скиапарели

Елза Скиапарели, родена през 1890 г. в аристократично семейство в Рим, скоро изрази любовта си към света на модата. Тя започва да развива своя революционен стил, вдъхновен от футуризъм, дада и сюрреализъм. С напредването на кариерата си тя взаимодейства с такива известни сюрреалисти и дадаисти като Салвадор Дали, Ман Рей, Марсел Дюшан и Жан Кокто. Тя дори си сътрудничи с испанския художник Салвадор Дали.

Едно от най -големите колаборации в модната история беше сътрудничеството между Дали и Елза Скиапарели. Тази рокля е създадена със Салвадор Дали като част от цирковата колекция на Скиапарели през лятото на 1938 г. Роклята се отнася до картината на Дали, в която той изобразява жени с изкривени пропорции на тялото.

За сюрреалистичните художници търсенето на идеалната жена е обречено на провал, тъй като идеалът съществува само във въображението им, а не в действителност. Дали обаче нямаше намерение да изобразява жените реалистично, така че телата им изобщо не са естетически. Скиапарели искаше да експериментира с тази игра на скриване и разкриване на тялото, създавайки илюзията за уязвимост и несигурност. Роклята с илюзията за сълзи е направена от бледосин копринен креп, отдавайки почит на Салвадор и неговите непропорционални жени.

9. Джани Версаче

Епохата на поп арт е може би най -влиятелният период за модни дизайнери и художници в историята на изкуството. Анди Уорхол е пионер в комбинацията от поп култура и висока мода, което го прави емблематичен символ на поп арт движението. През шестдесетте години Уорхол започва да практикува своята техника за подпис, известна като копринен печат.

Едно от най -ранните и несъмнено най -известните му произведения е Мерилин Диптих. За това парче той черпи вдъхновение не само от поп културата, но и от историята на изкуството и абстрактните художници -експресионисти. Анди улавя двата свята на Мерилин Монро, социалния живот на холивудска звезда и трагичната реалност на Норма Джийн, жена, която се бори с депресия и зависимост. Диптихът усилва вибрациите вляво, докато вдясно изчезва в тъмнината и мрака. В опит да представи потребителско общество и материализъм, той изобразява индивидите като продукти, а не като хора.

Италианският дизайнер Джани Версаче имаше дългогодишно приятелство с Анди Уорхол. И двамата мъже бяха очаровани от популярната култура. За да почете Уорхол, Версаче посвети своята колекция пролет / лято 1991 на него. Една от роклите имаше щампи на Уорхол с Мерилин Монро. Той включи живите копринени портрети на Мерилин и Джеймс Дийн от 60 -те години в поли и макси рокли.

И в продължение на темата за модата, красотата и необикновените идеи, прочетете и за това как съвременните художници са превърнали грима в истинско произведение на изкуството.