11 от най -скъпите американски произведения на изкуството, продадени на търг през последните 10 години

2024 Автор: Richard Flannagan | [email protected]. Последно модифициран: 2023-12-15 23:58

Първото десетилетие на XXI век се оказа благоприятно за художествената индустрия: най-скъпата картина в света беше продадена на търг за баснословна сума, все по-нарастващия интерес към изкуството на коренното население и малцинствата, както и тъй като трайното влияние на социалните мрежи върху естетическата перспектива си свърши работата, играейки една от основните роли. Американското изкуство не е изключение и някои от най -ценните шедьоври от САЩ преминават от ръка на ръка, поставяйки нови световни рекорди на търгове.

Двадесети век видя експлозия на творчество и иновации в американското изкуство, отразена в единадесетте изброени тук шедьоври. Докато някои от тях са били настанени в отделите за съвременно изкуство на големи аукционни къщи, всеки от тях е допринесъл за репутацията и успеха на американското изкуство като цяло.

1. Норман Рокуел

Първоначално създадена като корица за Saturday Evening Post, съблекалнята на Норман Рокуел скоро се превръща в култова икона. В средата на 20-ти век плодотворните илюстрации на Норман помогнаха за оформянето на националната идентичност и като един от най-старите и обичани бейзболни отбори на Висшата лига в страната, Бостън Ред Сокс бяха сигурен начин да докоснат сърцата дори на най-трудните американци.

Тази картина, изобразяваща разпознаваеми бейзболни играчи, публикувана по време на пенсионирането на бейзболната легенда Тед Уилямс, е актуална и днес, считана за вечна картина. Картината изобразява новобранец, предизвикващ противоречиви емоции, тъй като принадлежностите на Red Sox представляват усещане за триумф и слава, докато неудобният новодошъл не може да не предизвика чувство на безпокойство и дори смущение. Дълбоката емоционална реакция, генерирана от привидно простия образ, несъмнено е причината тази картина да бъде продадена на търг през 2014 г. за зашеметяващите 22 милиона долара.

2. Едуард Хопър

Един от най -важните и влиятелни художници на ХХ век, Едуард Хопър се отличаваше от съвременниците си в заснемането на сцени от ежедневието на американския живот с емоционална, но откровена честност. Това е въплътено в The East Wind Over Weehawken.

Въпреки липсата на драма или очевидна красота, картината е заредена с напрежение и емоции, особено в резултат на знака „За продажба“, който може да означава движение напред и напредък, но също така включва трудности и борба, предизвиквайки двусмислени чувства. През 2013 г. това произведение беше продадено в Christie's за четиридесет и един милион долара.

3. Джорджия О'Кийф

Постоянно черпейки вдъхновение от растителния свят, Джорджия О'Кийф е взела американската природа в изцяло нов мащаб. Вместо обширни пейзажи и широки гледки, тя избра малките пъпки или отделни листа като предмет на своите картини, надявайки се, че дори заетите нюйоркчани ще получат възможност да оценят красотата на естествения свят.

Едно цвете, което фигурира в много от картините на О'Кийф, е плевелът на Джимсън (обикновена дрога), отровно растение, което тя откри близо до дома си в Ню Мексико. Нейните картини отблизо, изобразяващи деликатно, но отровно цвете, се превръщат опасно в красота и замразяват ефимерното, правейки го безсмъртен.

Въпреки интимния подтекст, често приписван на нейните цветни картини, О'Кийф настояваше, че те са почит към красотата на природата и че тези интерпретации са резултат от собствените прогнози на критиката, а не от нейните намерения.”Появи се в Sotheby's през 2014 г., това предизвика изненада и вълнение на обществеността в момента, в който беше продаден за почти четиридесет и пет милиона долара, което го направи най-скъпото произведение на жена художник.

4. Марк Ротко

Въпреки че на пръв поглед изглежда толкова просто, че всеки с четка и платно може да нарисува No10 - една от най -известните картини на Марк Ротко. Всъщност тази работа представя уменията на художника както в инструментите, така и в техниката. Маслата сякаш блестят със свръхестествен блясък, който придава на картината енергия и движение. Цветовата палитра предизвиква директни асоциации с топлина, огън и страст, а областите, където жълтото среща оранжевото и червеното се превръща в черно, са пропити с обсебващо усещане за непознатото.

Кой знае какво мотивира един от анонимните кандидати в Christie's, който без съжаление се раздели с впечатляващата сума от осемдесет и два милиона долара, придобивайки „No10“за собствената си колекция.

5. Анди Уорхол

След като изобразява хора като Мерилин Монро, Елизабет Тейлър и Марлон Брандо, беше почти неизбежно поп изпълнителят да се обърне към Краля на рока, за да завърши своя пантеон от американски икони. Увлечението на Уорхол с популярната култура направи Елвис Пресли идеалната тема за един от характерните му отпечатъци от коприна. Припокриващи се монохромни изображения, подобни на филм, и идеята за сребърен екран, отразени в излъскан фон, отвеждат зрителя в света на Холивуд от 50-те години за едно незабравимо преживяване. Този вид е толкова мощен, че е купен в Christie's през 2014 г. за невероятните 82 милиона долара.

6. Барнет Нюман

Между 1958 и 1966 г. Барнет Нюман (Newman) създава поредица от черни пигменти върху отворени платна. Тяхната простота и символично взаимодействие между светлината и тъмнината въплъщават усещането за тържественост и необятност, породено от загубата на художника от брат му. Нюман превежда своята скръб и загриженост за смъртността в произведения на изкуството, които са груби и напрегнати, но същевременно изтънчени и хармонични.

Позоваването на огъня в заглавието приканва зрителя да види движение и страст дори в линейна светкавична и монохромна палитра. Парчето със сигурност запали огън в сърцето на един анонимен участник, който купи Black Fire I от Christie's през 2014 г. за 84 милиона долара.

7. Марк Ротко

„Оранжево, червено, жълто“- цветове като картината на Марк Ротко привличат окото и емоциите по много от същите причини като номер 10. Нейната топла цветова палитра сякаш излъчва светлина от маслото и крайните области, в които един нюанс става различни, те изискват специално съзерцание. Въпреки това, за разлика от номер 10, това парче излъчва жизненост и не носи нотка на тъмнина, което изглежда означава край.

Безброй леки удари създават разнообразни текстури, от почти прозрачни до богати опалесценции, което придава на картината поразително усещане за дълбочина. В комбинация с огромния размах на платното, което е почти 8 фута високо, това създава ефекта на обгръщането на зрителя в интимна топлина. Ето защо тази творба на Ротко беше продадена на търг в Christie's през 2012 г. за почти осемдесет и седем милиона долара.

8. Едуард Хопър

Chop Suei често се смята за най -съвършената картина на Едуард Хопър поради факта, че привлича всички сетива и приканва зрителя да създаде история в ума си. Подобно на Източния вятър над Weehawken, Chop Suei се фокусира върху по -спокойните моменти от американския живот, представяйки ежедневна сцена с широки четки на четката и заглушени тонове.

Вместо фотографския реализъм, към който се стремяха много негови връстници, този стил предизвиква ефекта на спомен или сън. Очарователната и мистериозна сцена постави рекорд за най-скъпата работа на Хопър, когато беше продадена в Christie's през 2018 г. за малко под деветдесет и два милиона долара.

9. Рой Лихтенщайн

Много преди да бъде продадена в Christie's за деветдесет и пет милиона долара през 2015 г., медицинската сестра на Рой Лихтенщайн се е превърнала в емблематично произведение на американското изкуство, въплъщавайки предизвикателството на поп арт пред традиционното визуално изкуство. Вземайки пример от съвременните рекламни кампании, комикси и комерсиализъм, поп артът даде на публиката си нов обектив, чрез който беше възможно да се интерпретира света около тях и съобщенията, които те получават.

Работата на медицинската сестра запазва усещане за дълбочина и енергия, генерирани от огромното поле от ръчно изработени (вместо от машинно изработени) точки, които съставляват лицето, ръкавите и фона на жената. В комбинация със смели линии и цветове, които съставляват останалата част от изображението, картината виси някъде между пародия, искреност и ирония.

10. Жан-Мишел Баскиа

След като получи копие от „Анатомията на Грей“, докато се възстановяваше от автомобилна катастрофа, Жан-Мишел Баскиа се заинтересува от човешкото тяло, за което свидетелстват картините, които той е създал като възрастен. Черепът е един от най -разпознаваемите образи, които редовно се появяват в творчеството му, символ, който изгражда мост между живота и смъртта.

Пример за това е неговата работа „Без заглавие“, в която ярки цветове и груби, хаотични щрихи контрастират с хлътнал, заглушен череп. Съчетавайки научна основа с градски стил, картината олицетворява новия подход на Баскиа към изкуството. Това беше показано на изложението Basquiat, което беше неназовано като единственото изложено произведение, и в Sotheby's, където картината беше продадена за сто и десет милиона долара през 2017 г.

11. Анди Уорхол

Подобно на Triple Elvis, Silver Car Crash на Andy Warhol използва комбинация от копринен ситопечат и сребърна боя, но ефектът е напълно различен. Silver Crash подчертава, че макар колата да е същността на свободата, индустрията и американската мечта, тя също така има способността да причини смърт, разрушение и бедствие.

Съблазнително ужасното изображение на разбита кола, повтаряно отново и отново и призрачно празното платно до него, привлече вниманието на трима изключително известни колекционери на изкуство: Джан Енцо Спероне, Чарлз Саачи и Томас Аман. Анонимен търговец на Sotheby's купи картината през 2013 г. за сто и пет милиона долара, най -високата цена, плащана някога за Уорхол.

Продължавайки темата - 10 възхитителни пейзажни картини, които зареждат зрителя с най -истинската „възвишена енергия“и дават море от всякакви емоции.