Кой Роден наистина е създал „Мислителят“или „Оплакващият“: Истинският смисъл на известни произведения на изкуството

2024 Автор: Richard Flannagan | [email protected]. Последно модифициран: 2023-12-15 23:58

Всеки лесно може да забележи, че темата за скръбта е много популярна сред художниците. И често съвременните хора дори не знаят за историята на произхода на някои картини или скулптури и истинското им значение.

"Портрет на Венеция Стенли, лейди Дигби" Ван Дайк

Изглежда, че младата жена спи спокойно. Въпреки това, когато фламандският художник Антъни ван Дайк през 1633 г. се опита да предаде върху платното цялата аристократична красота на Венеция Стенли, лейди Дигби, той всъщност рисува портрет … на двудневен труп, лежащ на смъртното си легло.

Потресен от скръб, когато открива, че съпругата му е починала внезапно през нощта, на 33 -годишна възраст, съпругът на Венеция, сър Кенелм Дигби, помоли Ван Дайк, придворния художник на крал Чарлз I, да нарисува заминалата си съпруга пред „хирурзите и коронерите пристигна.

Антъни ван Дайк написа Венеция, лейди Дигби на смъртното ѝ легло през 1633 г. - два дни след като жената умря в съня си

Ван Дейк се зае с работата, игнорирайки ужасните промени, които настъпват в човешкото тяло след смъртта. На бледата, очарователна шия на Венеция той нарисува перлена огърлица, а по ръба на чаршафа разпръсна венчелистчета от рози. Дигби вярваше, че картината на Ван Дайк, която сега се намира в лондонската художествена галерия Дулвич, е коронясало постижение на творението на художника. Според него тази „роза“изглежда „избледняваща“дори на пръв поглед и е трябвало да символизира смъртта на съпругата му.

Въпреки факта, че са изминали почти четиристотин години, все още се носят слухове, че Дигби, който е бил не само придворен и дипломат, но и изобретател и алхимик, сам е причинил смъртта на съпругата си. Някои казват, че той е дал на Венеция да пие смес от гадюкова кръв, с която се надявал да запази красотата й. Други смятат, че той я е убил в пристъп на ревност - в края на краищата той твърди веднъж за прословутата разпуснатост на Венеция, че „мъдър и силен мъж може да направи честна жена дори от работник в публичен дом“. Интересното е, че въпреки че е извършена аутопсия, резултатите от нея не са запазени.

Въпреки това, Дигби се оказа опустошен от смъртта на Венеция. Той пише на брат си, че посмъртният портрет на Ван Дайк „е единственият постоянен спътник, който имам сега. Той стои по цял ден пред стола и масата ми … и цяла нощ до леглото. Когато слабата лунна светлина пада върху него, струва ми се, че наистина я виждам мъртва."

С други думи, според писмото на Дигби, малката маслена картина на Ван Дайк, с размер по-малък от един квадратен метър, се е превърнала в утеха и утеха за скърбящия вдовец. Ако розата на картината наистина е „емблемата“на преходността на живота, самата картина символизира това, което може да се нарече изкуството на тъгата.

В допълнение към погребалните паметници в църкви, които са били инсталирани главно в памет на починалия, темата за скръбта в западното изкуство преди ерата на Ван Дайк, през Средновековието и през Ренесанса, като правило, се среща само в религиозните живопис и скулптури, посветени на трагичната история за смъртта на Христос. …

Пиетата на Микеланджело в базиликата Свети Петър

Зашеметяващата мраморна пиета на Микеланджело в базиликата Свети Петър е единствената скулптура, която той някога е подписвал. Тя изобразява скърбящата Дева Мария с мъртвия Христос, лежащ в скута й. Това е може би най -известният пример, но има и много други. Например, може да се открои картина на друг художник от висок Ренесанс и приятел на Микеланджело, Себастиано дел Пиомбо. Според експерти от Националната галерия, картината (по която дел Пиомбо е работил с Микеланджело) „Оплакването на мъртвия Христос“(ок. 1512-1516) е „първият мащабен нощен пейзаж в историята“и неговото лунно небе идеално отговаря на мрачното настроение.

Пиетата на Микеланджело в базиликата Свети Петър е известна версия на един от най -често срещаните образи в католицизма: скръбта на Дева Мария по смъртта на сина си

Разбира се, традиционната тема на траур по Христос е изобразена от много известни автори в историята на изкуството, от Джото и Мантеня до Рубенс и Рембранд. Това са само няколко от хилядите художници, които са изобразявали тази библейска сцена под една или друга форма през вековете. Всъщност изкуството на траур е станало толкова повсеместно, че понякога хората забравят какво гледат. Кураторът на новата изложба на Роден в Британския музей наскоро публикува статия, в която се предлага известната френска скулптура „Мислителят“всъщност да се нарича „Опечалената“. „Погледнете внимателно ръката и брадичката“, каза Иън Дженкинс, авторитет в древногръцкото изкуство. - Ако този човек мислеше за нещо, щеше да покрие брадичката си с ръка в жест на замисленост. Но в тази скулптура ръката поддържа брадичката. А в древна Гърция това беше жест на траур."

„Островът на мъртвите“от Арнолд Бьоклин

Картина с масло върху дърво от Арнолд Бьоклин „Островът на мъртвите“, 1880 г. Сюжетът му се основава на древногръцката митология. Картината е вдъхновена от едноименния филм на ужасите от Жак Турнер

Ако въведете думата „скръб“в онлайн търсачка на всеки международен музей, тя ще върне много резултати. Например в Обединеното кралство търсенето на тази ключова дума на уебсайта на галерията Tate връща 143 произведения на изкуството на тема скръб и страдание от различни периоди.

Например през 18 век художниците започват да гледат на скръбта и тъгата през призмата на шекспировата драма. Любима тема беше смъртта на дъщерята на крал Лир Корделия. През 19 век зашеметяващо подробната картина на Джон Еверет Миле „Офелия” (1851-52), за която моделът Елизабет Сиддал позира по няколко часа всеки ден във ваната в продължение на четири месеца, е известен и силно поетичен визуален израз на скръбта. На нея е изобразена датска благородница от „Хамлет на Шекспир“, която полудява от мъка по убития си баща и се удави в поток.

Роден Мислителят

Иън Дженкинс от Британския музей смята, че „Мислителят на Роден“трябва да се нарича „Скърбящият“, защото фигурата опира брадичката си в стиснат юмрук - ясен знак, че човекът е оттеглен и потопен в собствената си скръб.

Скръбта беше много важна тема за художниците през викторианската епоха, когато беше популярна сложна „култура на траур“. В „Изкуството на смъртта“(1991) историкът на изкуството Найджъл Лелелин отбелязва, че „впечатляващата визуална култура на смъртта“е отличителен белег на 19 -ти век.

„Плачеща жена“от Пикасо

През 20 -ти век художниците продължават традицията на своите викториански предци да изразяват скръб в своите произведения. Може би най -добрият пример е Плачещата жена на Пикасо (1937), която е свързана с неговата епична картина Герника от същата година, нарисувана по време на Гражданската война в Испания в отговор на германския самолет, бомбардирал баски град. Герника се смята от мнозина за крайния израз на колективната скръб на 20 -ти век. Разбира се, има много примери за други картини на 20 -ти век, чиято тема е свързана с тъгата. Например, можете да си припомните малка картина на Лусиан Фройд, нарисувана от него през 1973 г. - портрет на майка му, натъжен от смъртта на съпруга си.

„Триптих“от Франсис Бейкън

Франсис Бейкън рисува в левия панел на Триптиха (август 1972 г.) любовника си Джордж Дайър, който се самоуби

Триптихът на Франсис Бейкън, който днес също е изложен в Tate, успя да засегне както личната, така и обществената скръб. Един от така наречените Черни триптихи на Бейкън е нарисуван след самоубийството на любовника му Джордж Дайър, чийто образ може да се види в левия панел. По този начин триптихът е незабравимо и много лично свидетелство за страданията на художника (което, между другото, е изобразено в десния панел).

Естествено, две световни войни през 20 -ти век не можеха да окажат влияние върху изкуството. Критиците на изкуството твърдят, че войната е оказала дълбоко въздействие върху начина, по който художниците изобразяват мъката, в сравнение с 19 -ти век. За разлика от викторианския траур, където отделните семейства изпитват индивидуална скръб, почти всяко семейство в Европа изведнъж страда.

Военни паметници

Едно от последствията от това бяха официалните усилия на правителството да „създаде подходяща визуална култура за траур“. Класическите, алегорични погребални фигури, толкова обичани от викторианците, излязоха от модата. На тяхно място имаше военни паметници, които подчертаваха общата национална жертва, а не загубата на индивиди.

Военният мемориал на Кенотаф близо до Уайтхол, Лондон, проектиран от Едуин Лютиенс, е архетипен пример за този нов подход: Вместо човешки фигури има празен ковчег, който може да бъде свързан с всеки войник. Опечалените семейства могат да го използват като универсален символ.

Тарин Саймън направи инсталацията „Окупация на загуба“, на която присъстваха 21 „професионални оплаквачи“от различни култури

Универсалността на скръбта все още е тема, на която се занимават съвременните художници. По -рано тази година американският фотограф Тарин Саймън получи възторжени отзиви за инсталацията си на живо „Окупация на загуба“, поставена в подземна зала в северен Лондон. За произведението, чиято премиера беше в Ню Йорк през 2016 г., Саймън покани 21 „професионални оплаквачи“от цял свят, включително Албания, Азербайджан, Еквадор, Гана и Венецуела. Публиката можеше да изслуша всяка от тези жени.