7 шедьовъра на Ермитажа, които си струва да видите през 2020 г

2024 Автор: Richard Flannagan | [email protected]. Последно модифициран: 2023-12-15 23:58

Учените отдавна са доказали, че изкуството има благоприятен ефект върху човешкото здраве, като намалява нивото на тревожност и стрес в организма. Това важи особено за изобразителното изкуство и съзерцанието на красивото. Ето защо, за да бъде 2020 г. изпълнена с благоприятно състояние на тялото и духа, си струва да посетите Ермитажа и да видите най -известните експозиции на музея.

„Апостоли Петър и Павел“от Ел Греко

Ел Греко е един от най -ярките и оригинални художници. Грък по произход, учи живопис в Италия в работилницата на великия Тициан. Той научи техниката на маслото от своя идол и също беше вдъхновен от художествените техники на италианския маниеризъм. Ел Греко се открояваше сред колегите си с оригиналността на драматично изразителния стил. В портретите си той обръща голямо внимание на психологическата характеристика. В тази картина от Ермитажа художникът представя два различни типа хора. Вляво е апостол Петър, който три пъти отрича съществуването на Христос. Лицето му изразява тъга и несигурност, докато жестовете му са оцветени в покаяние и молба. Апостол Павел, който, както знаете, първоначално е бил ревностен гонител на християните, на снимката се вижда духовен плам в утвърждаването на истината. Жестовете с ръце, които формират композиционния център на произведението, изразяват диалог, който обединява двамата апостоли.

Сивокосият Петър, увит в златна роба, наклони главата си настрани. В лявата си ръка той държи своя символ - ключът към Небесното царство. Павел притиска здраво лявата си ръка към отворения том на масата, дясната му ръка се издига в жест на изясняване, когато гледа директно към зрителя. Свети Петър и Свети Павел се появяват многократно в творчеството на Ел Греко и са изобразени с поразителна последователност. Художникът винаги показва Петра със сива коса и брада и често носи жълта роба върху синя туника. Павел винаги е леко плешив, с тъмна коса и брада, в червена роба над сини или зелени дрехи.

„Покаяната Мария Магдалена“от Тициан

Каещата се Мария Магдалена е портрет на Света Мария Магдалена Тициан от около 1531 г., с подпис „ТИТИАН“на съда вляво. Според сюжета това е жена с разпуснато минало, която според Евангелието (Лука 7, 36-50) е дошла в къщата на фарисея Симон, за да поиска прошка от Исус. Това е женска фигура, изобразена от Тициан с дебели, концентрирани щрихи и топли тонове. Палитрата подчертава невероятни очи, напоени с кристални сълзи. Медно русата коса, която покрива фигурата, е изумително написана. Темата за разкаялата се Мария Магдалина, издигаща очите си към небето, придоби голяма популярност в Италия през 16 век сред аристократите, религиозните водачи и богатата средна класа. Липсата на облекло символизира отказа на Магдалина от бижута, злато и светски хобита заради вярата в Христос. Освен това златната коса и цялостната фигура на Магдалена отговарят на стандартите на ренесансовата красота.

"Мадона Лита" от Леонардо да Винчи

Картината е получила името си от миланската благородна фамилия, в чиято колекция е открита през по -голямата част от 19 век. През 1865 г. руският цар Александър II закупува платното за Ермитажа, където то е изложено и до днес. Това произведение изобразява Мадоната, която кърми Христовото дете. Обърнете внимание на липсата на призраци на тази снимка. Редица платна на Леонардо демонстрират същата черта. Фигурите са поставени в тъмен интериор с два сводести отвора, показващи гледка към планинския пейзаж. Интересен детайл: в центъра на картината, в лявата ръка на Христос, има златка, която е символ на Христовата страст.

Усещането за радостта от майчинството в картината „Мадона Лита“е особено възхитително изобразено благодарение на богатството на самия образ на Мария - тук тя намери своя зрял израз на женската красота на Леонардо. Нежното, красиво лице на Мадоната придава особена духовност на полузатворените очи и лека усмивка. Композицията на картината е поразителна със своята поразителна яснота и съвършенство. Мадоната и детето са често срещан мотив в християнското изкуство през Средновековието и продължават през Възраждането.

"Лютнист" Караваджо

Картината е поръчана от кардинал Франческо дел Монте, който покровителства художника. Караваджо изобразява млад мъж, очарован от музиката: погледът му е пълен с вдъхновение, пръстите му се вкопчват в струните. Фигурата на млад мъж в бяла риза се откроява ясно на тъмен фон. Силното странично осветление и падащите сенки придават на обектите почти осезаем обем и тегло. Предметите, поставени в картината, свидетелстват за голямата любов на художника към заобикалящия го свят, желанието му истински да възпроизвежда природата, да предаде материалното качество на всеки детайл. На тетрадката, лежаща пред героя с лютня, са написани встъпителните бележки на популярния през 16 век мадригал „Знаеш, че те обичам“.

Любовта като тема на това произведение е посочена и от други обекти. Например, напуканата лютня е метафора за любовта, която се проваля. В зората на творчеството Караваджо често придава на младите хора женски черти, което обаче е типично за италианското изкуство от края на 16 век. Интересното е, че музикантът от картината от Ермитажа често се бърка с момиче, а композицията се нарича „Лютнистът“.

"Дамата в синьо" Томас Гейнсборо

Едно от най -добрите произведения на художника - „Дамата в синьо“- е създадено от Гейнсборо в разцвета на творческите му сили. Фигурата на млада жена в отворена рокля от прозрачна бяла материя нежно се откроява на тъмен фон. Пудрената й коса е оформена в странна прическа. Големи къдрици падат върху наклонени рамене. Свежестта на младото лице се подчертава от полуотворените устни и бадемовидните тъмни очи. С леко движение на дясната си ръка тя държи синия копринен шал. Сивкави, синкави, розови и бели тонове тук и там са подсилени с ярки щрихи и помагат да се предаде елегантността и красотата на модела.

Смелостта на изобразителните техники на Гейнсборо изумява неговите съвременници. И така, Рейнолдс отбеляза „странни места и черти“в картините на Гейнсборо, „които изглеждат по -вероятно резултат от случайност, отколкото от съзнателно намерение“. Именно тази неакадемична традиция е едно от най-големите постижения на Гейнсборо. „Дамата в синьо“влиза в Ермитажа през 1916 г. от колекцията на А. 3. Хитрово по завещание.

Завръщането на блудния син от Рембранд Хармензун ван Рейн

Този шедьовър на библейското изкуство отново потвърждава статута на Рембранд като един от най -добрите художници на всички времена и най -великият от всички стари майстори в изобразяването на библейски сцени. Картината „Завръщането на блудния син“, завършена от художника в последните години от живота му, изобразява сцена от притчата от Лука 15: 11–32. Според изключителния изкуствовед Кенет Кларк, платното е една от най -великите картини на всички времена. Според сюжета, бащата, подобно на патриарха, полага ръце на раменете на обръснат каещ се и облечен в износени дрехи. Очите му са почти затворени. Актът на прошка се превръща в благословия на почти тайнствено тайнство.

Това е картина с най -голяма духовност, свободна от всички анекдотични аспекти, в която всички движения и действия са спрели. Сцената потъва в тъмнина, като тунел, от който бледо блестят лицата на бащата и на големия му син. Червените им одежди придават блясък на тази тъмнина. Рембранд многократно е рисувал по темата за блудния син, но в тази монументална маслена версия той стигна до най -вълнуващия си и - благодарение на контраста на най -големия и по -младия (блудния) син - психологически най -трудната формулировка.

„Танц“от Анри Матис

"Танцът" е едно от най -известните произведения на Анри Матис - ода на живота, радостта, физическото отхвърляне и символ на съвременното изкуство. Парчето е поръчано от влиятелния руски колекционер Сергей Щукин през 1909 г., за да украси имението му. Характеризирано със своята простота и енергия, тази артистична оргия остави незаличим отпечатък върху изкуството на 20 -ти век. Танцът е написан в разгара на фовистката естетика и олицетворява еманципацията на традиционните западни художествени традиции. Естетическият избор на Анри Матис за тази картина предизвика истински скандал в художествените салони през 1910 г. Смелата голота и грубите нюанси придадоха на картината изключителен характер за онова време, което в очите на някои зрители изглеждаше варварско.

Матис използва само три цвята, за да изобрази този танц: син, зелен и червен. В съответствие с традиционните фовистки цветови асоциации, тези три нюанса създават интензивен контраст. Целта на Матис обаче не беше да шокира публиката. Напротив, той се стремеше да обедини хората помежду си и с природата. Както каза художникът, „Това, за което мечтая, е балансирано, чисто и спокойно изкуство, което може да избегне неприятности или разочарование“.