Съдържание:
- 1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood
- 2. Соня Делоне: Когато изкуството стане мода
- 3. Сътрудничество между Елза Скиапарели и Салвадор Дали
- 4. Ив Сен Лоран: Сблъсъкът на изкуството и вдъхновението
Видео: Как картините на известни художници стават част от модата, оформяйки нов стил на ХХ век
2024 Автор: Richard Flannagan | [email protected]. Последно модифициран: 2023-12-15 23:58
Връзките между изкуството и модата определят конкретни моменти в историята. И двете медии отразяват социалните, икономическите и политическите промени от бурните двадесетте до оживените осемдесет. Ето четири примера на художници и модни дизайнери, които чрез своята работа помогнаха за оформянето на нова перспектива за изкуството и модата на 20 -ти век.
1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood
Приятелството между Рой Халстън и Анди Уорхол определи артистичния свят. И Рой, и Анди бяха лидери, които проправиха пътя за превръщането на художника / дизайнера в знаменитост. Те премахнаха претенциозното клеймо в света на изкуството и внесоха мода и стил в масите. Уорхол използва копринен печат няколко пъти, за да създава изображенията. Въпреки че със сигурност не е изобретил процеса, той революционизира идеята за масово производство.
Рой използва тъкани и шарки, които бяха прости и елегантни, но бляскави с използването на пайети, ултраси и коприна. Той беше един от първите, които направиха американската мода достъпна и желана. И двамата оставят своя последен отпечатък върху изкуството и стила през 60 -те, 70 -те и 80 -те години, което продължава и до днес.
И Рой, и Анди са работили заедно по много различни проекти. Уорхол създава рекламни кампании, които включват дрехите на Халстън и дори самия Халстън. На свой ред Халстън използва флоралния принт на Уорхол в някои от колекциите си от дрехи, от вечерни рокли до комплекти за свободното време.
Рой използва прости дрехи в дрехите си, което ги прави много успешни. Те бяха удобни за носене, но също така имаха нотка на лукс благодарение на тъканите, цветовете и щампи. Уорхол също опростил своите материали и процес. Това улесни възпроизвеждането на творбите му и ги направи по -продаваеми.
Търговският успех има своите предизвикателства и за двамата художници. Халстън беше първият партньор с търговската верига JCPenney през 1982 г. и това се отрази на качеството на неговата марка. Уорхол също беше критикуван, тъй като работата му беше възприета като повърхностна. И двамата обаче са модернизирали своята търговия на дребно и маркетинг в съответните си пространства, за да създадат марки за продажби на масовия пазар.
Рой и Анди бяха чести посетители на Studio 54. Те организираха партита, проектираха и продуцираха творби за известни личности като Лиза Минели, Бианка Джагър и Елизабет Тейлър. Всичко това е отразено в тяхната работа, тъй като те вдъхновяват и определят дискотечната ера на 70 -те години.
Халстън беше известен със създаването на блестящи вечерни облекла. Рой постави пайетите хоризонтално върху плата, създавайки блестящ ефект на материала, който използва за създаване на луксозни тоалети, обичани от много бляскави дами.
Серията Warhol Diamond Dust Shoe също илюстрира нощния живот на Studio 54 и известните личности, които живеят там. Диамантеният прах е това, което той използва върху шаблони или картини, създавайки допълнителен елемент на дълбочина за парчето. И първоначално обувките му бяха идеята за рекламната кампания на Халстън. Във всеки случай, тези двамата имаха огромен принос в модата, оставяйки незаличим отпечатък зад себе си. Всъщност дори днес много съвременни дизайнери са вдъхновени от идеите на Анди и Рой, създавайки великолепни колекции с ехо от миналото.
2. Соня Делоне: Когато изкуството стане мода
Соня Делоне не само революционизира нова форма на кубизма, но и въведе връзката между изкуството и модата. И Делоне, и съпругът й бяха пионери на орфизма и експериментираха с различни форми на абстракция в изкуството. Тя е първата по рода си, която използва собствения си артистичен стил и се премества в света на модата, използвайки оригиналния си текстилен дизайн, щампи или шарки. Тя е запомнена повече с изкуството и връзката си със съпруга си, отколкото с модата си. Нейният стил играе важна роля през 20 -те години на миналия век, а каталогът на облеклото й се помни повече с фотографии и препратки към нейното изкуство, отколкото самите дрехи. За Соня е имало и няма граница между изкуството и модата. За нея те са едно и също.
Тя започва модния си бизнес през 20 -те години на миналия век, създавайки дрехи за клиенти и проектирайки платове за производители. Соня нарече лейбъла си Симултан и отиде още по -далеч с използването на цвят и шарка по различни теми. Едновременността играе важна роля в нейната работа и нейната необичайна техника напомня на пачуърк юрган или текстил от Източна Европа: цветовете се наслагват един върху друг, а моделите се използват за създаване на хармония и ритъм. Общите й теми включват квадрати / правоъгълници, триъгълници и диагонални линии или сфери - всички те се припокриват в различните й дизайни.
Делоне беше млада жена по време на едуардската епоха, когато корсетите и съответствието бяха норма. Това се промени през 20-те години на миналия век, когато жените започнаха да носят поли над коляното и свободно облягащо облекло. Този аспект може да се види в дизайните на Delaunay и тя беше страстна за създаването на дрехи, които отговарят на нуждите на жените. Соня разработва бански костюми, които позволяват на жените да се чувстват по -комфортно, дори когато спортуват и плуват. Тя поставя своите отпечатъци върху палта, обувки, шапки и дори коли, като използва всякаква повърхност като платно. Нейният дизайн създава свобода на движение и изразяване чрез цвят и форма.
През цялата си кариера тя непрекъснато се опитва в нещо ново и в резултат се премества в киното и театъра. Соня е проектирала костюмите за „Малката парижанка“на Рене Льо Сомптие, докато съпругът й е декорирал филма. Тя обичаше геометричните форми, умело ги комбинираше и смесваше помежду си, създавайки причудливи шарки и прекъснати линии, които се превърнаха в неин отличителен белег.
3. Сътрудничество между Елза Скиапарели и Салвадор Дали
Авангардът на сюрреалистичното изкуство е съчетан с лидера на сюрреалистичната мода. Салвадор Дали и модният дизайнер Елза Скиапарели си сътрудничат и се вдъхновяват през цялата си кариера. Те създадоха емблематични образи като рокля от омар, шапка за обувки и рокля сълза, които шокираха и вдъхновиха публиката както в изкуството, така и в модата. Дали и Скиапарели проправиха пътя за бъдещо сътрудничество между модни дизайнери и художници, преодолявайки разликата между това, което се смята за носимо изкуство и мода. Дали използва омари като повтаряща се тема в работата си и се интересува от тяхната анатомия.
Рокля "Омар" е съвместна работа на Елза и Дали, а създаването им предизвика много противоречия не само в деня на дебюта си, но и след това. Първо, тя има прозрачен лиф и бяла пола от органза. Необичайното облекло буквално взриви света на модата, предизвиквайки много противоречия по този въпрос. Използването на бял плат също контрастира с червения цвят на омара. Бялото може да се счита за девствено или да символизира чистотата в сравнение с червеното, което може да означава спокойствие, сила или опасност.
Скелетите са друга тема, открита в сюрреалистичното изкуство и са използвани в повече сътрудничества между Дали и Скиапарели. Роклята Skeleton беше първата по рода си. Елза използва техника, наречена трапунто, където два слоя плат са зашити заедно, създавайки контур, където се вмъква ватинът, като по този начин създава повдигнат ефект. Тази техника създава текстурирана повърхност върху плоска тъкан, създавайки илюзията, че човешки кости стърчат през роклята. Това предизвика скандал, защото роклята беше изработена от еластичен материал, който се прилепва към кожата. Фантазиите на картините и рисунките на Дали бяха въплътени в нереалния свят на тоалетите на Скиапарели, които и до днес правят незаличимо впечатление както на зрителите, така и на дизайнерите.
4. Ив Сен Лоран: Сблъсъкът на изкуството и вдъхновението
Къде е границата между имитация и оценяване? Критиците, публиката, артистите и дизайнерите се борят да определят къде се движи тази линия. Когато обаче става въпрос за Ив Сен Лоран, намеренията му не са нищо повече от ласкателство и възхищение от художниците и картините, които той използва като вдъхновение. Разглеждайки обширното си портфолио, Сен Лоран е вдъхновен от култури и изкуство от цял свят, които успешно включва в облеклото си.
Въпреки че Ив никога не се е срещал с творците, които го вдъхновяват, това не го спира да създава произведения на изкуството в знак на уважение към тях. Лоран черпи вдъхновение от художници като Матис, Мондриан, Ван Гог, Жорж Брак и Пикасо. Той е бил колекционер на произведения на изкуството и е събирал картини на Пикасо и Матис, които е закачал в дома си.
Ив взе някои от художествените мотиви и ги превърна в зашеметяващо облекло, което отдава почит на някои от любимите му художници. 60 -те години бяха време на революция и комерсиализъм, нова ера на модата и изкуството. Проектите на Сен Лоран придобиват търговски успех, когато той започва да черпи вдъхновение от поп арт и абстракция. През 1965 г. той създава двадесет и шест рокли, вдъхновени от абстрактни картини на Пийт Мондриан. Роклите олицетворяват използването на Мондриан от опростени форми и смели първични цветове. Ив използва техника, при която между слоевете плат не се виждат шевове, което създава впечатление, че дрехите са едно цяло парче. Сен Лоран взема изкуството на Мондриан от 20 -те години на миналия век и го прави носим спрямо 60 -те години.
Модните рокли са класически примери за стил от 60 -те години. Те бяха подобни на дрехите от 20 -те години на миналия век, които бяха по -малко ограничени и имаха ръкави и подгъви, които разкриват големи петна по кожата. Квадратните силуети на Сен Лоран накараха жените да се чувстват леки и свободни. Това също го доведе до вдъхновение от артисти на поп арт като Том Веселман и Анди Уорхол. Той създаде линия от вдъхновени от поп изкуството дизайни, които изобразяват силуети и изрези на дрехите му. Ставаше дума за преодоляване на ограниченията на абстракцията в изкуството и комерсиализация на дизайна. Лоран обедини тези две идеи, за да създаде дрехи за жени, които са безплатни и привлекателни за съвременните дами.
Якета Vincent Van Gogh на Saint Laurent са пример за това как Ив съчетава вдъхновението на художника със собствените си дизайнерски таланти. Подобно на другите му дрехи, темите, свързани с художника, не бяха копирани и поставени върху дрехите на Сен Лоран. Вместо това той избра да ги използва като източник на вдъхновение и да създаде парчета, които отразяват собствения му стил. Якето е пример за стила на 80 -те години, който е бродиран със слънчогледи в живописния стил на Ван Гог.
Лоран си сътрудничи с Maison Lesage, лидер в бродерията на висшата мода. Яке "Слънчогледи" е бродирано с тръбни мъниста. Цветовете са изпълнени с различни нюанси на оранжеви и жълти искри. Това създава многоизмерна текстура, подобна на техниката на Ван Гог за нанасяне на дебела боя върху платно. Смята се, че това е един от най -скъпите артикули на висшата мода, правени някога и продавани в Christie's за близо четиристотин хиляди евро. Сен Лоран проправи пътя за носенето на дрехи като произведение на изкуството само по себе си, независимо от модата и периода от време.
Продължавайки темата, прочетете и за какво доведе Саеко Ямагучи до успех, превръщайки я в една от най -обичаните музи на Кензо и Ямамото.
Препоръчано:
Кралската тоалетна и отровният маркер: История на марките, които стават имена на артикули (част 2)
Преобразуването на популярни търговски марки в общи имена е характерно не само за руския език. Например в Африка всяка напитка за кафе може да се нарече „nescafe“, независимо от нейното качество и марка, а името на компанията Kleenex се превърна в много англоговорящи страни в синоним на шалове за еднократна употреба. Много думи на нашия език някога означаваха продукт само на една конкретна марка, но по -късно разшириха значението си
Естетика на „ниския стил“, кубизъм и други нововъведения, с които френските художници от ХХ век завладяха света: Матис, Шагал и др
За Франция и по -специално за Париж можете да говорите неопределено, описвайки всички плюсове и минуси на града и на страната като цяло. Но френската столица от незапомнени времена се открояваше със своя специален характер, като не искаше да се вписва в общоприетите рамки и стереотипи. Това невероятно място "издигна" и "образова" най -добрите дизайнери, парфюмеристи, стилисти, архитекти и, разбира се, художници на ХХ век, чиито произведения, ползващи се с огромна популярност, влязоха в историята на изкуството, твърдо се установили там
Какви скрити значения са скрити от изображения в картини на известни художници: азбуката на живописта (част 2)
От ябълка в ръката на бебето Исус до птица, която равнодушно се държи от котка … Храна, напитки, домашно обзавеждане се появяват в безброй контексти на европейската живопис в продължение на много векове и са любимият метод на художниците за предаване на скрити значения
„Не трябва ли да изпием чаша?!“: Пияници от различни времена и народи в картините на известни художници
Много художници от различни времена са засягали темата за пиянството в творчеството си. В картините, създадени по различно време, могат да се видят както начинаещи пияници с физиономии, които отразяват всички емоции на човек, почувствал първо силния вкус на алкохол, така и пияници в таверни и таверни в Амстердам, Ротердам, Хага и много други градове и горчиви пияници, които носят скръб на семейството си, и веселото купонство на внушителни мъже и необременен бар
Елементът на вълни, морски битки и корабокрушения в картините на руски художници-морски специалисти от 19 век
„Свободният елемент“на морето винаги е привличал и привличал художници от цял свят и е бил неизчерпаем източник на вдъхновение. Русия не е изключение, известна по всяко време със своите художници, посветили работата си на морската живопис, в която можете да видите не само бушуващите или умиротворени елементи на водата, но и огромен брой истории за кораби, орещи моретата, за грандиозни морски битки, за трагични корабокрушения